Intervista · Di Stanislav Arnautov · Berlino · 8 min di lettura
C’è molto grigio nel mondo di Hadar in questo momento. Cantieri. Impalcature. Cemento. Strade sventrate e in fase di ripristino. Vive in Israele e gran parte dell'edilizia che la circonda esiste perché qualcosa è stato danneggiato e ora deve essere ricostruito.
La sua arte è l'opposto del grigio. È rumorosa, calda, divertente e incredibilmente colorata: personaggi con carattere, minuscoli adesivi nascosti negli angoli e la sensazione che qualcuno si stia divertendo davvero. Lavora come Citrus Rock e tre delle sue illustrazioni ora vivono su tavole d'acero deckarts.
Le abbiamo chiesto come si diventa l'una dall'altra.
Trovare uno stile non è un fulmine a ciel sereno
Citrus Rock ha un look così riconoscibile: personaggi audaci e colorati, pieni di carattere. Come sei arrivata a questo stile "pop-grottesco"?
"Non è stato sicuramente qualcosa che ho capito da un giorno all'altro. Per molto tempo non sono stata sicura di quale fosse il mio stile.
A un certo punto, mi sono sfidata a disegnare ogni giorno per 30 giorni con un obiettivo in mente: scoprire il mio linguaggio visivo. Mi sono ritrovata a disegnare costantemente personaggi colorati, ispirati alla strada, con personalità esagerate. Mi divertivo davvero a crearli e, a poco a poco, sono diventati più raffinati. Ripensandoci, quella sfida è stata l'inizio di quello che alla fine è diventato il mio stile attuale."
È una risposta che incoraggia silenziosamente. Lo stile non è arrivato già completo: è stato trovato presentandosi, per trenta giorni di fila, e prestando attenzione a ciò che continuava a uscire dalla sua mano.
Perché il grigio la spinge a cercare il colore
Hai accennato al fatto che i cantieri grigi e le impalcature ti ispirano, che li vedi quasi come spot da skate. Come si trasforma quell'energia urbana cruda e caotica in qualcosa di così colorato e gioioso nel tuo lavoro?
"Sì! C'è davvero edilizia ovunque intorno a me. Penso che essere circondata da così tanto grigio mi faccia desiderare naturalmente ancora più colore.
Alcune persone dicono che gli artisti dovrebbero disegnare su carta grigia invece che bianca, e sebbene io disegni ancora su carta bianca, penso che ci sia qualcosa in quell'idea che risuona davvero in me. Il grigio mi spinge a creare. Mi spinge a voler riversare colore nel mondo.
Adoro trovare bellezza e giocosità in luoghi che la maggior parte delle persone trascura e, in qualche modo, i cantieri, le impalcature e gli spazi incompiuti sono diventati parte di quell'ispirazione visiva."
"Il grigio mi spinge a creare. Mi spinge a voler riversare colore nel mondo."
L'impalcatura come simbolo di nuovi inizi
In che modo vivere in Israele — le sue strade, i suoi contrasti e la sua energia — si manifesta nella tua arte?
"Il periodo difficile che abbiamo attraversato, e che stiamo ancora attraversando, in Israele mi ha insegnato molto su me stessa.
Ho visto molto grigio e molta oscurità. Molti dei cantieri intorno a me esistono perché case e strade sono state danneggiate e vengono ricostruite. Anche se c'è così tanto cemento e impalcature in giro, non li vedo più come simboli di distruzione. Per me rappresentano nuovi inizi: luoghi che presto avranno di nuovo vita, colore e significato.
Quando il mondo intorno a te inizia a ricostruire, incoraggia anche te a ricostruire.
Ecco perché è diventato così importante per me riempire le mie illustrazioni di ottimismo, colori vivaci e personaggi gioiosi. È il mio modo di creare il tipo di mondo che voglio vedere intorno a me.
Creare illustrazioni gioiose è diventato il mio modo di aggiungere un po' più di colore al mondo, e forse di ricordare alle persone che anche dopo tempi difficili, c'è sempre spazio per costruire di nuovo qualcosa di bello."
I personaggi sono lei, in una determinata giornata
I tuoi personaggi hanno molta personalità e umorismo. Da dove vengono: persone reali, stati d'animo, immaginazione?
"I miei personaggi vengono da me. Di solito riflettono come mi sento in quel momento, o a volte come vorrei sentirmi.
Il più delle volte non inizio con un piano chiaro. Lascio semplicemente che la mia mano guidi il percorso e vedo dove il personaggio vuole andare. Questa è una delle mie parti preferite del processo: mi sorprende sempre."
C'è un sentimento o un messaggio che speri che le persone colgano quando guardano il tuo lavoro?
"Più di ogni altra cosa, spero che il mio lavoro faccia sorridere le persone.
Adoro usare colori audaci e vibranti perché mi fanno sentire naturalmente felice, e spero che possano portare un po' di ottimismo a chiunque li guardi."
Vedere il lavoro uscire dallo schermo
Cosa ti è passato per la testa la prima volta che hai visto la tua arte su una vera tavola da skateboard invece che su uno schermo?
"Onestamente, è stata una sensazione fantastica.
Vedere la mia illustrazione esistere nel mondo reale invece che solo sul mio iPad ha reso tutto molto più concreto. Mi ha ricordato che l'illustrazione non deve rimanere su uno schermo: può diventare qualcosa che le persone possono effettivamente tenere, usare e con cui possono connettersi. Spero sia il primo di molti progetti di questo tipo."
La forma lunga e stretta di una tavola cambia il modo in cui approcci una composizione?
"Non per queste illustrazioni! In realtà non sapevo che sarebbero finite su tavole da skateboard quando le ho create.
Ma ora che ho visto quanto bene può vivere un'illustrazione su quel formato, so che in futuro terrò sicuramente conto della forma e della composizione della tavola fin dall'inizio."
La sua è la versione onesta di una risposta che altri artisti danno al contrario: Yehor Bread compone deliberatamente per la forma e definisce il vincolo un vantaggio, mentre queste illustrazioni sono arrivate prima e hanno trovato il formato dopo. Entrambi i metodi funzionano, per una ragione che la storia delle grafiche per deck spiega: il lavoro incentrato sui personaggi con contorni forti sopravvive al campo stretto meglio di quasi ogni altra cosa.
Quella che ha appeso in casa sua
Delle tue tre tavole con noi — Reach the Sky, Proud Moment, Time of My Life — qual è quella che ti sta più a cuore e qual è la storia dietro?
"'Reach the Sky' è sicuramente quella che mi sta più a cuore: è anche quella che ho scelto di appendere in casa mia.
È probabilmente l'illustrazione in cui mi sono concessa di divertirmi di più con i minuscoli dettagli. L'ho riempita di piccoli adesivi e oggetti che riflettevano ciò che stava accadendo nella mia vita in quel momento. Ad esempio, c'è un minuscolo adesivo di un pianeta perché stavo leggendo un libro sullo spazio, un adesivo a forma di dente perché mi faceva male il dente del giudizio (storia vera!), e persino un logo di moda ispirato a un marchio con cui avevo lavorato di recente.
Quando ho condiviso l'illustrazione per la prima volta, l'ho accompagnata con la frase 'Trova la tua strada per raggiungere il cielo.' Il personaggio sembrava un riflesso di me stessa e volevo che incoraggiasse sia me che chiunque lo guardasse a seguire il proprio percorso verso i propri sogni nel modo più autentico possibile."
Il che significa che se appendi Reach the Sky al muro, stai appendendo anche un dente del giudizio, un libro sullo spazio e una piccola battuta privata. Guarda bene.
Paura del colore? Non averne
Questa è la domanda che volevamo porre di più, perché sentiamo costantemente l'esitazione: le persone amano l'arte audace, poi vanno nel panico all'idea di appenderla a una parete.
Per qualcuno che ama l'arte audace ma si sente nervoso all'idea di mettere qualcosa di così colorato sulla propria parete, cosa diresti?
"Onestamente? Rimarresti sorpreso da quanto sembri meno intenso una volta che è effettivamente sul muro (anche se forse sono solo abituata a decorare il mio spazio con la mia arte!)
Penso che queste tavole attirino naturalmente persone con una certa personalità: persone che non hanno paura del colore. La mia sensazione è che se questo tipo di opera d'arte ti parla, probabilmente non ci penserai troppo. Saprai semplicemente che è quella giusta per te."
Corrisponde a ciò che vediamo nella pratica. Un pezzo audace risulta quasi sempre più calmo in una stanza di quanto non appaia su uno schermo, perché una parete gli dà aria, distanza e contesto. La miniatura ti grida contro da venti centimetri di distanza. L'oggetto reale è dall'altra parte della stanza, a tenere insieme un angolo dello spazio.
E una tavola è un formato indulgente proprio per questo motivo. È stretta. Occupa una sottile striscia verticale invece di dominare un'intera parete, quindi ottieni tutta la personalità di un'opera d'arte audace con una frazione dell'ingombro visivo. Se hai girato intorno all'idea del colore, una singola tavola è la via d'accesso a basso rischio.
Una nota pratica: le opere realizzate con colori piatti e brillanti appartengono a una parete chiara piuttosto che a una scura, poiché una parete scura assorbe esattamente il contrasto da cui dipendono. La nostra guida ai colori copre questo aspetto, e la guida alle dimensioni contiene le misure prima che tu ti impegni su una parete.
Dove trovarla
Le tavole Citrus Rock di Hadar — Reach the Sky, Proud Moment e Time of My Life — sono stampate su acero canadese di prima scelta, opache e pronte da appendere.
Puoi seguire il suo lavoro su Instagram su @citrusr0ckk, o esplorare altri progetti e prodotti su citrusrock.store.
Grazie, Hadar. 🍋
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