Ultimo aggiornamento: · Di Stanislav Arnautov · Berlino
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Il Giapponismo fu l'influenza della cultura visiva giapponese sulla pittura europea all'incirca dal 1856 al 1920. Van Gogh copiò direttamente a olio tre stampe di Hiroshige. Monet costruì un giardino giapponese a Giverny. Toulouse-Lautrec adottò il formato di poster a colori piatti dell'ukiyo-e. La Grande Onda, stampata con il blu di Prussia di Berlino, influenzò gli impressionisti che non erano mai stati in Giappone. DeckArts Berlino a partire da ~140$.
Il Giapponismo — termine coniato dal critico francese Philippe Burty nel 1872 — descrive la profonda influenza della cultura visiva giapponese sulla pittura, sul design grafico e sulle arti applicate europee all'incirca dal 1856 (quando il Giappone si aprì al commercio occidentale in seguito all'arrivo del Commodoro Perry nel 1853) fino al 1920 circa. L'influenza non fu una mera imitazione superficiale, ma una trasformazione fondamentale della composizione e del cromatismo: l'avanguardia europea assorbì dalla stampa giapponese una serie di principi visivi — colore piatto senza modellazione, linee dell'orizzonte alte, composizione asimmetrica, la silhouette come unità visiva primaria, il potenziale espressivo del contorno — che cambiarono permanentemente il corso dell'arte occidentale. DeckArts Berlino riproduce la Grande Onda di Hokusai su acero canadese a partire da circa 140$.
L'apertura del Giappone: 1853 e l'ondata di stampe in Europa
Il Giappone aveva mantenuto la politica del sakoku (isolamento nazionale) dal 1635 al 1853, limitando il commercio internazionale alla stazione commerciale olandese di Dejima a Nagasaki. Quando lo squadrone della Marina degli Stati Uniti del Commodoro Matthew Perry arrivò nella baia di Edo nel luglio 1853 e pretese diritti commerciali sotto minaccia di forza, il governo giapponese capitolò: la Convenzione di Kanagawa (marzo 1854) aprì i porti giapponesi alle navi americane, e i trattati successivi li aprirono alle potenze europee. Nel 1858, il Giappone era aperto al pieno commercio internazionale.
I prodotti giapponesi — ceramiche, lacche, tessuti di seta, paraventi e, soprattutto, stampe xilografiche — inondarono i mercati europei dalla fine degli anni '50 dell'Ottocento in poi. Le stampe xilografiche, prodotte in enormi quantità per il mercato interno giapponese, erano economiche, numerose e completamente diverse da qualsiasi cosa gli artisti europei avessero mai visto. Le specifiche proprietà visive delle stampe ukiyo-e — aree di colore piatto senza modellazione d'ombra, contorni marcati, composizioni asimmetriche, linea dell'orizzonte alta, assenza della prospettiva centrale — erano l'esatto opposto della tradizione accademica europea e furono immediatamente riconosciute dai pittori europei come un diverso insieme di soluzioni agli stessi problemi.
Le stampe giapponesi di Van Gogh: 400 opere, 3 copie dirette
Vincent van Gogh collezionò circa 400 stampe xilografiche giapponesi (ora al Van Gogh Museum di Amsterdam) e le studiò intensamente durante il suo periodo parigino (1886-88). Nel 1887, realizzò tre copie dirette a olio di stampe di Hiroshige come esercizi di composizione: "Acquazzone improvviso sul ponte Shin-Ohashi" (da Hiroshige, Van Gogh Museum di Amsterdam), "Il giardino dei susini a Kameido" (da Hiroshige, Van Gogh Museum) e una terza copia. Queste copie a olio sono uniche nell'opera di Van Gogh: copiava regolarmente il lavoro di altri artisti come esercizio, ma le copie da Hiroshige sono gli unici casi in cui adottò non solo la composizione, ma lo specifico metodo grafico a colori piatti e contorni marcati della fonte, invece di tradurlo nel proprio stile pittorico.
L'influenza del Giapponismo sullo stile maturo di Van Gogh non si limita alle copie esplicite. Le scelte compositive dei periodi di Arles e Saint-Rémy — il punto di vista dal basso del "Mandorlo in fiore", la zona di cielo piatto della stessa opera, l'approccio basato sulla silhouette nella serie dei cipressi e la pennellata ritmica e ripetitiva che Van Gogh descrisse specificamente come un apprendimento dal trattamento delle linee di Hokusai in una lettera a Émile Bernard (1888) — riflettono tutte il costante assorbimento dei principi ukiyo-e nella sua pratica visiva.
Monet a Giverny: il giardino giapponese e le ninfee
Claude Monet (Parigi, 1840-1926) acquistò una proprietà a Giverny nel 1883 e vi trascorse i restanti 43 anni della sua vita, trasformando il giardino in un programma paesaggistico totale di ispirazione giapponese: il ponte giapponese, il giardino d'acqua, i salici piangenti, le ninfee. Monet collezionò circa 200 stampe xilografiche giapponesi, che sono ancora esposte nella sua casa di Giverny (ora aperta al pubblico come Fondation Claude Monet). Le stampe — di Hiroshige, Hokusai, Utamaro e altri — sono esposte in più stanze e rappresentano una delle collezioni di ukiyo-e europee più significative del XIX secolo.
La serie delle "Ninfee" — circa 250 dipinti del giardino d'acqua di Giverny che Monet produsse tra il 1896 e il 1926, culminati nelle installazioni panoramiche di grande formato ora al Musée de l'Orangerie di Parigi — è la più sostenuta realizzazione occidentale dell'estetica dei giardini giapponesi nella pittura. La superficie piatta dell'acqua, l'assenza di una linea dell'orizzonte, i riflessi del cielo nell'acqua e il taglio frammentario delle foglie di ninfea e dei rami di salice ai bordi della composizione sono tutti principi compositivi dell'ukiyo-e applicati alla pittura a olio occidentale su scala monumentale.
Toulouse-Lautrec e il poster a colori piatti: l'ukiyo-e diventa urbano
Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 – Saint-André-du-Bois, 1901) applicò i principi grafici a colori piatti dell'ukiyo-e al design commerciale di poster: i manifesti del Moulin Rouge e di Aristide Bruant dei primi anni '90 dell'Ottocento sono tra le applicazioni formali più dirette della stampa giapponese all'arte grafica occidentale. Gli elementi ukiyo-e specifici nel lavoro di poster di Toulouse-Lautrec: aree di colore piatto senza sfumature o modellazione; contorno nero marcato come elemento grafico primario; la linea dell'orizzonte alta e la composizione asimmetrica derivate da Hokusai e Hiroshige; e la riduzione della figura a una silhouette grafica piuttosto che a una forma modellata tridimensionale. Toulouse-Lautrec possedeva stampe giapponesi ed era un visitatore abituale dei negozi parigini che le vendevano a partire dagli anni '80 dell'Ottocento.
Degas e l'orizzonte alto: la composizione spaziale giapponese
Edgar Degas (Parigi, 1834-1917) collezionò circa 150 stampe giapponesi e applicò le specifiche strategie compositive spaziali dell'ukiyo-e — in particolare la linea dell'orizzonte alta, il posizionamento asimmetrico della figura principale e il taglio delle figure ai bordi della composizione come se fosse una fotocamera piuttosto che una convenzione compositiva — alla sua pittura di figure impressionista. La serie sul balletto, la serie dedicata al bagno e i dipinti sulle corse dei cavalli utilizzano tutti la struttura spaziale con orizzonte alto, asimmetrica e con figure tagliate che Degas derivò dalla composizione delle stampe giapponesi.
Degas adottò anche la pratica ukiyo-e di raffigurare il corpo in movimento piuttosto che in una posa statica: i maestri giapponesi ritraevano attori kabuki, lottatori di sumo e ballerine in un movimento sospeso, anziché nelle pose formali da ritratto della tradizione occidentale. Le ballerine e le bagnanti di Degas sono colte nella stessa qualità momentanea, privata e non in posa tipica delle figure dell'ukiyo-e: osservate anziché messe in posa, catturate nel momento anziché esibite.
Il cerchio si chiude: il blu di Prussia da Berlino al Giappone all'Europa
La storia del Giapponismo contiene un notevole cerchio cromatico completo: il pigmento che ha reso celebri le stampe giapponesi — la "Grande Onda" di Hokusai, i paesaggi di Hiroshige, il "periodo blu" dell'ukiyo-e — era il blu di Prussia, inventato a Berlino nel 1704 da Johann Jacob Diesbach, giunto in Giappone tramite il commercio olandese intorno al 1820, utilizzato dagli stampatori giapponesi per le stampe più distintive e più esportate, che poi inondarono l'Europa dal 1856 e influenzarono l'avanguardia europea. Gli impressionisti e post-impressionisti europei trasformati dalle stampe giapponesi furono influenzati da opere realizzate con un pigmento tedesco che aveva lasciato l'Europa, era stato adottato dal Giappone ed era tornato in Europa incorporato in una tradizione visiva giapponese. Blu di Prussia: nato a Berlino, maturato in Giappone, influente a Parigi.
DeckArts riproduce la "Grande Onda" di Hokusai a Berlino — la città in cui il blu di Prussia fu inventato 322 anni fa e dove oggi viene riprodotto con inchiostri UV a pigmenti d'archivio su acero canadese per le pareti domestiche contemporanee. Il cerchio geografico e cromatico è completo.
DeckArts
Hokusai — Dittico Grande Onda (~230$)
Blu di Prussia: Berlino 1704 → Giappone 1820 → Grande Onda 1831 → Giapponismo a Parigi 1856-1920 → DeckArts Berlino 2026. Il cerchio si chiude. A partire da ~230$ su acero canadese.
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Cos'è il Giapponismo nell'arte?
Il Giapponismo è il termine (coniato dal critico francese Philippe Burty nel 1872) per indicare l'influenza della cultura visiva giapponese sull'arte europea all'incirca dal 1856 al 1920. Le stampe xilografiche giapponesi inondarono i mercati europei dopo l'apertura del Giappone al commercio nel 1853-58, introducendo i pittori europei alla composizione a colori piatti senza modellazione d'ombra, linee dell'orizzonte alte, composizione asimmetrica e la silhouette come unità visiva primaria. Van Gogh, Monet, Toulouse-Lautrec, Degas e Whistler ne furono tutti diretta e sostanzialmente influenzati. DeckArts a partire da ~140$.
Come ha influenzato l'arte giapponese Van Gogh?
Van Gogh collezionò ~400 stampe giapponesi (ora al Van Gogh Museum di Amsterdam), copiò direttamente a olio tre stampe di Hiroshige (1887) e scrisse a Émile Bernard (1888) specificamente riguardo allo studio del trattamento delle linee di Hokusai. L'influenza del Giapponismo nel suo lavoro maturo: composizione orientata verso l'alto nel "Mandorlo in fiore", zona del cielo piatta, approccio basato sulla silhouette per i cipressi, pennellata ritmica e ripetitiva. Il soggetto stesso del mandorlo in fiore (ciliegio/susino in fiore visto dal basso contro il cielo) deriva direttamente dalle stampe dei fiori di Hiroshige nella serie "Cento vedute famose di Edo".
Sommario
Giapponismo (Philippe Burty, 1872): influenza visiva giapponese sull'arte europea 1856-1920 in seguito all'apertura del Giappone (Convenzione di Kanagawa, marzo 1854; arrivo di Perry nel 1853). Principi chiave assorbiti: colore piatto senza modellazione, linea dell'orizzonte alta, composizione asimmetrica, silhouette come unità primaria, contorno marcato, figure tagliate. Van Gogh: ~400 stampe collezionate, 3 copie dirette a olio di Hiroshige (1887, Van Gogh Museum), studio delle linee di Hokusai (Lettera a Bernard 1888). Monet: ~200 stampe collezionate, giardino giapponese a Giverny, serie delle "Ninfee" (~250 opere, 1896-1926, Orangerie Parigi). Toulouse-Lautrec: poster a colori piatti (Moulin Rouge 1891) = principi ukiyo-e nel design grafico commerciale. Degas: ~150 stampe, orizzonte alto, taglio asimmetrico, corpo in movimento spontaneo. Cerchio completo: blu di Prussia (Berlino 1704) → Giappone (~1820) → Grande Onda (1831) → Giapponismo Parigi (1856-1920) → DeckArts Berlino (2026). DeckArts Grande Onda a partire da ~140$ (singolo) / ~230$ (dittico). Acero canadese. Pigmenti d'archivio UV, durata 100+ anni. Reso entro 30 giorni.
Informazioni sull'autore
Stanislav Arnautov è il fondatore di DeckArts e un direttore creativo ucraino con base a Berlino.
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