La storia della grafica delle tavole da skateboard: come la tavola è diventata una tela

Ultimo aggiornamento: luglio 2026 · Di Stanislav Arnautov · Berlino · 14 min di lettura

La maggior parte dei resoconti sulla grafica delle tavole descrive interi decenni senza nominare nessuno. Questo invece nomina le persone, perché sono proprio i dettagli a rendere la storia degna di essere raccontata.

Gli anni del nulla

I primi skateboard erano improvvisati. Negli anni ’50, nel sud della California, i surfisti toglievano i truck e le ruote dai pattini a rotelle e li inchiodavano a delle assi: l’obiettivo era andare in giro quando il mare era calmo, e non c’era motivo di decorare nulla.

Le tavole commerciali arrivarono all’inizio degli anni ’60, ma le ruote erano di argilla o acciaio, andare sullo skateboard era pericoloso e il primo boom crollò intorno al 1965 quasi con la stessa rapidità con cui era iniziato. Per circa un decennio lo skateboard è stato praticamente morto come settore. Non c’era nulla stampato sul fondo delle tavole perché il settore delle tavole era praticamente inesistente.

La ruota che ha dato una svolta a tutto

La rinascita è arrivata da un materiale, non da un design. All’inizio degli anni ’70 Frank Nasworthy iniziò a vendere ruote in poliuretano — commercializzate come Cadillac Wheels — e queste cambiarono ciò che uno skateboard poteva fare. L’uretano garantiva aderenza, rotolava su terreni irregolari e non scivolava via da sotto chi lo guidava come faceva l’argilla.

Lo skateboard divenne praticabile, poi popolare, e attorno ad esso si ricostruì un intero settore. Santa Cruz Skateboards è stata fondata nel 1973. Powell-Peralta è arrivata più tardi nello stesso decennio, quando George Powell si è messo in società con lo skater Stacy Peralta. Ormai c’erano aziende che dovevano distinguersi — e la parte inferiore piatta della tavola era l’unico spazio a disposizione.

Wes Humpston e le prime grafiche

La persona a cui viene spesso attribuito il merito di aver trasformato quella superficie in una tela è Wes Humpston. Lavorando nella scena di Dogtown a Venice e Santa Monica nella seconda metà degli anni ’70, disegnava a mano sul fondo delle tavole — croci, scritte, trame fitte di linee — prima per sé e per gli amici, poi come identità di Dogtown Skates.

La cosa importante è che prima la grafica sul fondo era o nulla o solo un logo. Humpston l’ha trattata come una superficie su cui disegnare, e l’idea ha preso subito piede. Nel giro di pochi anni ogni azienda, grande o piccola che fosse, aveva qualcuno che faceva la stessa cosa, e la parte inferiore della tavola era diventata l’elemento di design più visibile nello skateboard — perché è quello che il pubblico vede quando la tavola è in aria.

Gli anni ’80: VCJ e Jim Phillips

Due artisti hanno dominato quel decennio, e le loro opere sono ancora in circolazione quarant’anni dopo.

Vernon Courtlandt Johnson, solitamente accreditato come VCJ, ha creato l’identità visiva della Powell-Peralta. Il suo simbolo con teschio e spada, il «winged ripper» e le grafiche dei modelli professionali per i rider della Bones Brigade hanno diffuso su larga scala tra gli adolescenti immagini araldiche, gotiche e scheletriche anni prima che quel linguaggio entrasse nel design mainstream. I disegni sono densi, simmetrici e ricchi di nero — pensati per essere riconosciuti da lontano su una tavola in movimento.

Jim Phillips ha fatto un lavoro simile alla Santa Cruz, ma in uno stile completamente diverso: vivace, appariscente, ispirato ai cartoni animati, più vicino alle illustrazioni delle riviste di hot rod e mostri che all’araldica. La sua “Screaming Hand”, disegnata nel 1985, è sopravvissuta al contesto per cui era stata creata ed è ora una delle immagini grafiche più riprodotte di quell’epoca — stampata su molte più magliette e adesivi che su skateboard.

Entrambi facevano illustrazioni commerciali per un’azienda di articoli sportivi. Nessuno dei due operava in un contesto artistico. Ed è proprio per questo che il lavoro è così strano.

Perché le tavole avevano disegni così strani

Questa è la parte che di solito viene tralasciata, e che spiega tutto il resto.

Una tavola è un bene di consumo. Si consuma, si sfalda o si rompe, e uno skater che va regolarmente in tavola la sostituisce continuamente. Quel singolo fatto ha guidato l’intera cultura visiva.

Dato che le tavole si consumano, le aziende puntavano sugli acquisti ripetuti. Dato che una tavola prodotta in una fabbrica è fisicamente molto simile a una prodotta in un’altra, non c’era quasi nulla su cui competere se non la grafica. E dato che i clienti erano adolescenti che premiavano la stranezza invece di un comitato di clienti che la puniva, la grafica si è spinta in territori che nessun normale prodotto di consumo avrebbe mai toccato: teschi, simboli occulti, scene cruente, bestemmie, battute di cattivo gusto.

Non c’era nessuna galleria da soddisfare né alcuna revisione per la “brand safety”. Le grafiche da skateboard di quel periodo sono uno dei pochi grandi corpi di illustrazione commerciale prodotti quasi senza alcun vincolo, ed è per questo che ancora oggi sembrano diverse da qualsiasi altra cosa.

Gli anni ’90: tavole più piccole, battute più taglienti

Lo skateboard da strada ha soppiantato quello da rampa tra la fine degli anni ’80 e l’inizio degli anni ’90, e le tavole hanno cambiato forma di conseguenza: più strette, più simmetriche, con il profilo a doppia punta che è ancora oggi lo standard. Anche le grafiche sono cambiate.

La World Industries di Steve Rocco, fondata nel 1987, ha dato il tono: grafica che parodiava i loghi aziendali, prendeva in giro le aziende rivali e cercava deliberatamente di urtare la sensibilità, in gran parte disegnata da Marc McKee. Alcune di queste immagini sono invecchiate male, mentre altre erano pensate proprio per essere inaccettabili fin dall’inizio. In ogni caso, hanno spostato l’arte delle tavole dall’illustrazione puramente decorativa verso una grafica che fungesse da commento.

All’estremo opposto, Girl Skateboards — fondata nel 1993 con Andy Jenkins ed Evan Hecox a definirne l’immagine — ha portato nello stesso mercato la sobrietà tipica delle scuole di design: tipografia più pulita, layout curati, un’estetica che attingeva al design grafico della metà del secolo piuttosto che ai fumetti di mostri.

La tavola come oggetto da collezione e da esposizione

A partire dagli anni 2000 sono successe due cose.

Le tavole sono diventate oggetti da collezione. Le tavole originali degli anni ’80 di Powell-Peralta e Santa Cruz, specialmente quelle mai usate, sono entrate in un vero e proprio mercato secondario. La lunga serie di collaborazioni con artisti di Supreme ha prodotto tavole che, fin dall’inizio, venivano comprate per essere conservate piuttosto che per essere usate, e nel 2019 una collezione completa è stata venduta all’asta da Sotheby’s: il segnale più chiaro che questi oggetti avevano abbandonato del tutto la categoria degli articoli sportivi.

Gli skater si sono rivelati degli artisti. Ed Templeton, fondatore di Toy Machine, espone da decenni dipinti e fotografie a livello internazionale. La mostra del 2004 e il successivo documentario Beautiful Losers hanno riunito un gruppo di artisti provenienti dalla cultura dello skate e della strada piuttosto che dalle scuole d’arte, rendendo esplicito questo legame.

A quel punto la tavola era ormai un supporto riconosciuto su cui gli artisti potevano lavorare, e un oggetto riconosciuto che la gente appende al muro.

Dove si collocano le tavole da skate come arte da parete

Le tavole realizzate appositamente come arte da parete rappresentano uno sviluppo successivo e diverso, e vale la pena chiarire questa distinzione piuttosto che confonderla.

Una tavola Powell-Peralta del 1985 da collezione è un oggetto storico: è stata fatta per essere usata, ha una grafica disegnata proprio per quello scopo e il suo valore deriva dalla provenienza e dalla rarità. Una tavola stampata oggi come arte da parete non è questo. È una nuova tavola grezza usata come supporto, scelta perché le proporzioni e il materiale si adattano al lavoro.

Ciò che rimane è il motivo per cui questo formato funziona. Gli artisti dello skateboard hanno sempre composto le loro opere per uno spazio verticale stretto con estremità arrotondate, piuttosto che adattarvi immagini rettangolari, e hanno progettato i disegni per garantire la leggibilità a distanza e in movimento. Questi sono gli stessi requisiti di una parete dall’altra parte della stanza.

Il catalogo di deckarts esplora questa tematica in due direzioni: riproduzioni di dipinti di dominio pubblico, trattate nelle guidearte moderna Rinascimento, Giapponese, Van Gogh, Klimte ; e disegni originali contemporanei, trattati nella guida guida all'arte contemporanea e pop art, che si avvicina di più alla tradizione grafica descritta sopra.

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Domande frequenti

Quando sono comparse le prime grafiche sugli skateboard?

Tra la metà e la fine degli anni ’70. Le tavole degli anni ’50 e ’60 erano semplici, e il settore è quasi scomparso dopo il crollo del primo boom intorno al 1965. La rinascita è arrivata con le ruote in poliuretano di Frank Nasworthy all’inizio degli anni ’70, che hanno reso lo skateboard abbastanza praticabile da permettere alle aziende di rilanciarsi: Santa Cruz è stata fondata nel 1973, Powell-Peralta più avanti nello stesso decennio. Wes Humpston, che gravitava intorno alla scena di Dogtown a Venice e Santa Monica, è la persona a cui viene spesso attribuito il merito di aver trasformato la parte inferiore della tavola in una superficie da disegnare piuttosto che in uno spazio per un logo, disegnando a mano croci e trame fitte di linee, prima per gli amici e poi come identità di Dogtown Skates. L’idea si diffuse quasi subito, perché la parte inferiore della tavola è l’elemento di design più visibile nello skateboard: è quello che vedono tutti quando la tavola è in aria.

Chi sono stati i grafici più importanti dello skateboard?

Due nomi dominano gli anni ’80. Vernon Courtlandt Johnson, noto come VCJ, ha creato l’identità visiva della Powell-Peralta, compreso il simbolo del teschio e della spada e il “ripper alato”, diffondendo su larga scala tra gli adolescenti immagini araldiche, gotiche e scheletriche anni prima che il design mainstream adottasse quel linguaggio. Jim Phillips ha fatto lo stesso alla Santa Cruz, ma in uno stile completamente diverso: vivace, appariscente e ispirato ai cartoni animati, più vicino alle illustrazioni delle riviste di hot rod e mostri; la sua “Screaming Hand”, disegnata nel 1985, è diventata una delle immagini grafiche più riprodotte dell’epoca. In precedenza, Wes Humpston aveva dato vita a questa pratica. Negli anni ’90, il lavoro di Marc McKee per World Industries ha spinto la grafica verso la parodia e la provocazione, mentre Andy Jenkins ed Evan Hecox hanno portato la sobrietà tipica delle scuole di design alla Girl Skateboards.

Perché l’arte dello skateboard poteva essere così strana?

Per via di come funziona economicamente il prodotto. Una tavola è un bene di consumo — si usura, si sfalda o si rompe, e uno skater abituale ne sostituisce continuamente di nuove — quindi le aziende puntavano sugli acquisti ripetuti. Dato che una tavola prodotta in una fabbrica è fisicamente molto simile a una prodotta in un’altra, non c’era quasi nulla su cui competere se non la grafica. E i clienti erano adolescenti che premiavano la stranezza, invece di un comitato di clienti che la puniva. Non c’era nessuna galleria da soddisfare né alcuna revisione sulla sicurezza del marchio, il che ha spinto il lavoro in territori che nessun prodotto di consumo ordinario avrebbe mai toccato: teschi, simboli occulti, scene cruente e provocazioni deliberate. Le grafiche da skateboard di quel periodo sono uno dei pochi grandi corpi di illustrazione commerciale prodotti quasi senza alcun vincolo, ed è per questo che ancora oggi sembrano diverse da qualsiasi altra cosa.

Una tavola con grafica da parete è la stessa cosa di uno skateboard da collezione?

No, e vale la pena tenere chiara questa distinzione. Una tavola originale degli anni ’80 della Powell-Peralta o della Santa Cruz è un oggetto storico: è stata realizzata per essere usata, presenta una grafica disegnata proprio a questo scopo e il suo valore deriva dalla provenienza e dalla rarità; ecco perché queste tavole hanno conquistato un mercato secondario di tutto rispetto e perché Sotheby’s ha messo all’asta una collezione completa di tavole Supreme nel 2019. Una tavola stampata oggi come decorazione da parete è un’altra cosa: un nuovo blank usato come supporto perché le proporzioni e il materiale si adattano bene a questo scopo. Non è un reperto storico e non si rivaluta nel tempo. Ciò che si tramanda dalla tradizione è la logica compositiva: gli artisti dello skateboard hanno sempre progettato per uno spazio verticale stretto con estremità arrotondate e per garantire la leggibilità a distanza, che sono gli stessi requisiti di una parete vista dall’altra parte della stanza.

Chi ha disegnato la “Screaming Hand”?

Jim Phillips ha disegnato la “Screaming Hand” per la Santa Cruz Skateboards nel 1985. È diventata una delle immagini più riprodotte nello skateboard.

Chi era VCJ?

VCJ è Vernon Courtland Johnson, l’artista dietro molte delle grafiche della Powell Peralta tra la fine degli anni ’70 e gli anni ’80, tra cui i teschi, il “Ripper” e i disegni con i draghi associati al team Bones Brigade.

Quando le ruote in uretano hanno rivoluzionato lo skateboard?

Frank Nasworthy ha introdotto le ruote in uretano per lo skateboard all’inizio degli anni ’70. La loro aderenza e scorrevolezza hanno dato nuova vita allo skateboard dopo il crollo di metà degli anni ’60, portando al boom che ha visto la comparsa delle grafiche sulle tavole.

Sintesi dell’articolo

Gli skateboard erano piuttosto semplici negli anni ’50 e ’60, e il settore è quasi crollato intorno al 1965, prima che le ruote in poliuretano di Frank Nasworthy rendessero di nuovo praticabile lo skateboard all’inizio degli anni ’70, permettendo ad aziende come Santa Cruz nel 1973 e Powell-Peralta più avanti in quel decennio di ricostruirsi attorno a questo prodotto. A Wes Humpston, attivo nella scena di Dogtown, viene spesso attribuito il merito di aver trasformato la parte inferiore della tavola da semplice spazio per il logo a superficie su cui disegnare. Gli anni ’80 sono stati caratterizzati da due artisti con stili opposti: le opere araldiche con teschi e spade di Vernon Courtlandt Johnson per Powell-Peralta e le vivaci grafiche ispirate ai cartoni animati di Jim Phillips per Santa Cruz, tra cui la “Screaming Hand” del 1985. La stranezza di queste opere ha una spiegazione economica: una tavola è un prodotto di consumo, un pezzo di acero pressato è molto simile a un altro, quindi la grafica era l’unico elemento di differenziazione, e il pubblico adolescente apprezzava proprio ciò che un comitato di clienti avrebbe eliminato. Gli anni ’90 hanno portato tavole da strada più strette, la parodia e la provocazione di World Industries e la sobrietà da scuola di design di Girl Skateboards. A partire dagli anni 2000 le tavole sono diventate oggetti da collezione e gli artisti provenienti dal mondo dello skate hanno fatto il loro ingresso nelle gallerie. Le tavole realizzate oggi come opere d’arte da parete rappresentano uno sviluppo a sé stante: nuovi grezzi utilizzati come supporto, che trasmettono la logica compositiva piuttosto che la provenienza.

L’autore

Stanislav Arnautov è il fondatore di deckarts, un graphic designer e specialista della stampa originario dell’Ucraina, che ora vive a Berlino, dove disegna e prepara personalmente ogni tavola.

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